Зарубежная музыка начала 20 века

Зарубежная музыка начала 20 века Зарубежная музыка начала 20 века Зарубежная музыка начала 20 века Зарубежная музыка начала 20 века Зарубежная музыка начала 20 века Зарубежная музыка начала 20 века Зарубежная музыка начала 20 века Зарубежная музыка начала 20 века Зарубежная музыка начала 20 века Зарубежная музыка начала 20 века

Другие поджанры рок-музыки v альтернативный метал v альтернативный рок v арт-рок v бит v гаражный рок v глэм-рок v готик-рок v инструментальный рок v математический рок v прогрессивный рок v прото-панк v психоделический рок v хард-рок v хартленд-рок v экспериментальный рок

Поп-музыка — направление современной музыки, вид современной массовой культуры. Основные черты: простота, мелодичность, опора на вокал и ритм с меньшим вниманием к инструментальной части основная форма композиции — песня тексты обычно посвящены личным чувствам.

Поджанры поп-музыки vевропоп vлатина vдиско v электропоп v синтипоп vтанцевальная музыка и другие.

Массовая песня— хоровая или сольная песня, рассчитанная на массовое распространение. мелодическая яркость, злободневность содержания, простота и четкость формы (куплетное строение, чаще всего с рефреномприпевом). Д. Д. Шостакович, И. О. Дунаевский, А. В. Александров, В. Г. Захаров, А. Н. Пахмутовф, М. Г. Фрадкин и др.

Авторская песня Автор стихов и музыки песни является непременным ее исполнителем. доверительность, простота, гражданственность, социальная заостренность, обращение одновременно и к большой аудитории, и к каждому слушателю в отдельности. Основатель – Б. Ш. Окуджава, А. Галич, В. Высоцкий, Ю. Визбора, А. Розенбаум, А. Дольский и др.

Русский шансон — собирательный термин, которым обозначают различные жанры русской музыки, включающие прежде всего блатную песню, часть бардовских песен, городской романс, некоторые песни военной тематики. А. Вертинский, К. Шульженко, М. Шуфутинский, М. Круг К. Огонек и др.

Хип-хоп Музыка хип-хопа состоит из двух основных элементов: рэпа (ритмичного речитатива с чётко обозначенными рифмами) и ритма, задаваемого ди-джеем, хотя нередки композиции и без вокала. Многоточие, Каста, Лигалайз и др.

Электронная музыка — широкий жанр, обозначающий музыку, созданную с использованием электронных музыкальных инструментов и электронного оборудования. Часто под электронной музыкой понимают, так называемую электронную клубную музыку (электронную танцевальную музыку), поджанрами которой являются техно, хаус, драм-н-бейс, хардкор, брейкбит.

Вывод Таким образом, ХХ век был веком разнообразия в музыке. Музыка 20 -го столетия, точно так же, как и в предшествующие века, отражала духовный и эмоциональный мир людей, ведь темп жизни человека ускорился, стал более жёстким и напряжённым.

Источник: https://present5.com/muzykalnaya-kultura-20-go-veka-muzyka-iskusstvo/

Зарубежная музыка и музыка России XX века

На первый взгляд может показаться, будто между музыкальным искусством XX в. и всех предшествующих столетий лежит пропасть — столь велики различия в звуковом облике произведений. Даже сочинения 10—30-х гг. многим слушателям представляются очень сложными, резкими по звучанию, излишне напряжёнными. На самом деле в XX в.

, как и в любые другие эпохи, музыка точно отражала эмоциональную и духовную жизнь людей. По сравнению с предшествующими столетиями темп жизни человека ускорился, её ритм стал более жёстким и напряжённым.

Трагические повороты истории — войны, революции, тоталитарные режимы, появление ядерного оружия — не только обострили душевные противоречия, присущие людям во все времена, но и поставили человечество на грань уничтожения. Именно поэтому тема противостояния жизни и смерти стала ключевой в музыке XX в. Не менее важной оказалась для искусства и проблема самопознания личности.

Научные разработки в области психологии, особенно в теории психоанализа, вызвали стремление проникнуть в потаённые глубины внутреннего мира человека. В музыку вошёл таинственный и странный мир снов, неосознанных желаний и инстинктов.

Новое содержание требовало новых форм, и многие композиторы пришли к идее радикального обновления музыкального языка. Прежде всего, они отказались от традиционной европейской системы ладов и тональностей. Музыканты уже не ограничивались рамками мажора или минора, не ориентировались на семизвучный звукоряд конкретной тональности. Появилось понятие атональная музыка.

Это музыка, в которой чёткая система тональностей на слух не определяется, а аккордовые созвучия (гармонии) связываются друг с другом свободно, без соблюдения строгих правил. Одновременно в XX столетии были изобретены новые способы организации звуков в произведении; использовались и европейские традиции, и традиции иных культур — китайской, индийской, африканской и др.

Другой важной особенностью музыкального языка XX в. стали необычные звучания. Их поиск шёл в двух направлениях. Чтобы передать образы современной жизни, использовали необычные шумовые эффекты (лязг и скрежет металла, грохот станков и другие «промышленные» звуки), изобретали новые инструменты. Однако более интересные результаты дал другой путь.

Композиторы экспериментировали с традиционными инструментами: смешивали тембры, играли в непривычных регистрах, изменяли технические приёмы.

И оказалось, что классический симфонический оркестр или оперные формы могут прекрасно показать жизнь города с его сложной системой звуков и шумов, а главное — непредсказуемые повороты мысли и «изломы» психики человека конца II тысячелетия.

Однако новаторские поиски вовсе не привели к отказу от традиций. Именно XX век возродил музыкальное наследие ушедших эпох. После двухсот — трёхсот лет забвения вновь начали звучать произведения Монтеверди, Корелли и Вивальди, немецких и французских мастеров XVII в.

Возродилась к новой жизни не только сама музыка, но и способы её исполнения. Появилось понятие аутентичное (от греч. «аутентико'с» — «подлинный») исполнение. Артисты стремились сыграть «старую» музыку на инструментах соответствующей эпохи в подлинной авторской редакции (без позднейших наслоений).

Поиски аутентичного звучания пробудили у композиторов разных направлений интерес к традициям Ренессанса и барокко. Современную систему мелодий, гармоний и звуковых красок они облекали в формы XVI— XVII столетий.

Особенно впечатляющие результаты подобные эксперименты дали в области духовной музыки, так как сама природа музицирования в храме требует строгого соблюдения традиций.

В XX столетии появляется новое течение — неофольклоризм (от греч. «не'ос» — «новый» и «фольклор»). Его сторонники призывали использовать народные напевы, записанные в глубинных сельских районах, не «приглаженные» на городской лад. Войдя в сложную ткань симфонии, сонаты или оперы, такая песня привнесла в музыку невиданную доселе страстность, богатство красок и интонаций.

Многое изменилось и в отношении к исполнительскому искусству. Если в предшествующие столетия музыкант должен был, прежде всего, поразить публику совершенством техники игры, то в XX в. виртуозность перестала быть самоцелью.

На первое место вышла глубина и точность понимания композиторского замысла, умение играть эмоционально. Важным стало общение артистов разных стран друг с другом. В Европе и Америке ныне устраиваются музыкальные фестивали и конкурсы, где происходит обмен творческим опытом.

Программы и задачи этих праздников искусства очень разнообразны. Они могут посвящаться отдельной эпохе и жанру, творчеству определённого композитора или исполнителя.

Но, как правило, каждое серьёзное мероприятие подобного рода решает ещё одну важнейшую задачу — обобщает опыт, накопленный музыкой со времён Средних веков, делает это искусство по-настоящему открытым и свободным для развития.

НОВАЯ ВЕНСКАЯ ШКОЛА

На рубеже XIX—XX столетий в европейской культуре сложилось новое художественное направление — экспрессионизм (от лат. expressio — «выразительность»).

Его представители отражали в своих произведениях трагическое мироощущение человека эпохи Первой мировой войны — отчаяние, боль, страх одиночества.

«Искусство есть крик о помощи тех, кто переживает в себе судьбу человечества», — писал основоположник экспрессионизма в музыке Арнольд Шёнберг.

Музыкальный экспрессионизм сложился в Австрии, точнее, в её столице, Вене. Его создатели — Арнольд Шёнберг, Альбан Берг и Антон Веберн. Творческое содружество композиторов вошло в историю музыки под названием новая венская (нововенская) школа.

Каждый из мастеров прошёл в искусстве собственный путь, но в их произведениях есть и немало общего. Прежде всего — трагический дух музыки, стремление к острым переживаниям и глубоким потрясениям.

Затем — напряжённый духовный поиск, желание, во что бы то ни стало обрести религиозные и нравственные идеалы, утраченные большинством современных людей.

Наконец, все три композитора разрабатывали единый метод сочинения музыки — додекафонную систему, резко изменившую традиционные представления о ладовом и гармоническом устройстве произведения.

Глава новой венской школы — Арнольд Шёнберг (1874—1951). Формирование творческой личности Шёнберга происходило в Вене. Здесь он брал частные уроки композиции, встретился с Бергом и Веберном, написал первые произведения. В 1925—1933 гг.

композитор жил в Берлине, преподавал в Прусской академии искусств. В этот период он создал законченную теорию додекафонной техники (опубликована только в 1941 г. в статье «Сочинение при помощи двенадцати звуков»).

С приходом к власти нацистов музыка Шёнберга была причислена к «дегенеративному искусству», и композитор эмигрировал в США.

Творчество Шёнберга решает одну главную задачу — выражает средствами музыки человеческие страдания. Тяжёлые, томительные предчувствия, ощущение тоскливого ужаса великолепно переданы уже в раннем произведении — Пять пьес для оркестра (1909 г.).

Под влиянием трудов основоположника психоанализа Зигмунда Фрейда в 1909 г. Шёнберг создал монооперу (опера для одного исполнителя) «Ожидание».

Музыка, наполненная диссонансами, сложными ритмами, передаёт изменения душевного состояния героини: гнетущее предчувствие катастрофы в конце оперы сменяется ужасом от столкновения со смертью.

Одним из самых дерзких по новизне сочинений Шёнберга стал вокальный цикл «Лунный Пьеро» (1912 г.), написанный на стихи малоизвестного бельгийского поэта А.Жиро. Цикл создан для женского голоса и небольшого инструментального ансамбля.

В песнях воспроизводится атмосфера ночного кабаре, недаром сам автор называл своё сочинение «трагическим кабаре». Зрелый период творчества композитора связан в основном с инструментальными жанрами.

Он написал струнные квартеты, скрипичный и фортепианный концерты, в которых блестяще соединил серийную технику с «классическими» законами сонатно-симфонического цикла.

Результатом размышлений над событиями Второй мировой войны стала кантата «Уцелевший из Варшавы» (1947 г.) для чтеца, хора и оркестра. В качестве текста использованы подлинные рассказы очевидцев расправы гитлеровцев над жителями еврейского гетто в Варшаве.

Музыка этого масштабного сочинения, построенная на одной серии, выдержана в лучших традициях экспрессионизма — она сложна, трагична и обострённо эмоциональна. Принципиальное значение для творчества Шёнберга имела работа над оперой «Моисей и Аарон» (1932—1937 гг.). Произведение осталось незавершённым.

Из намеченных трёх действий были написаны только два; они принадлежат к вершинам музыки экспрессионизма. Опера отразила сложные размышления автора об искусстве и духовной жизни.

Альбана Берга (1885—1935) принято считать самым «острым» мастером нововенской школы. Ученик Шёнберга, он блестяще освоил принципы додекафонии, но применял их по-своему.

Если для Шёнберга серия была своеобразной звуковой схемой, в рамках которой он конструировал музыку, то Берг стремился превратить серию в выразительную музыкальную тему, передающую определённое настроение, чувство.

Его творчество охватывает как монументальные, так и камерные жанры, и каждое сочинение поражает глубиной и высоким композиторским мастерством.

Подлинной вершиной творчества Берга стала опера «Воццек» (1917— 1921 гг.), написанная по одноимённой пьесе немецкого драматурга Георга Бюхнера. Её герой — солдат Вошек, денщик Капитана.

Вошек — одинокий и униженный, а потому озлобленный человек; над ним издевается Капитан, насмехаются солдаты в казарме. Последней каплей в страданиях становится нелепая измена жены Мари, не устоявшей перед ухаживаниями Тамбурмажора.

Ослеплённый ревностью и насмешками, Воццек убивает Мари и, лишившись рассудка, погибает. Сюжет можно назвать типичным для экспрессионизма.

Однако при всей новизне оперы в ней чувствуется глубокая связь с романтическими и реалистическими традициями искусства XIX в. В центре произведения — хорошо знакомый образ «маленького человека», брошенного в страшную реальность нового времени. Из инструментальных сочинений Берга особенно интересен скрипичный концерт, имеющий подзаголовок «Памяти ангела» (1935 г.).

В этом произведении раскрывается совсем иная грань дарования композитора — возвышенная, просветлённая духовность. Звуковым символом обретённого духовного света становится тема хорала Баха, появляющаяся во второй части.

Вариации на эту тему — кульминация концерта и в определённом смысле итог всего творческого пути мастера, пришедшего в конце жизни к состоянию вдохновенной веры, покоя и гармонии.

Додекафонная система, созданная Шёнбергом, обрела теоретическую базу благодаря его ученику Антону Веберну (1883—1945). Жизнь композитора сложилась драматично. Его сочинения принимались публикой с особенным трудом. Веберну приходилось бороться с нуждой и браться за тяжёлую подённую работу.

В годы немецкой оккупации Австрии (1938—1945 гг.) он с трудом содержал большую семью на грошовое жалованье корректора в издательстве, постоянно подвергался издевательствам в нацистской прессе. В мае 1945 г.

Веберн потерял на фронте единственного сына, а вскоре после окончания войны погиб в деревне под Зальцбургом от случайной пули американского солдата.

Однако творчество этого мастера, испытавшего немало страданий, было самым радостным по духу в нововенской школе. Трагический экспрессионизм присущ только ранним произведениям, созданным под влиянием Шёнберга.

Мировоззрение Веберна, человека глубоко религиозного, определялось христианским отношением к людям и природе. Веберн считал, что сочинение музыки по законам серийной техники уподобляет произведение растению.

Серию можно сравнить с корнем, основанную на серии тему — со стеблем, а короткие мотивы — с листьями.

Основное внимание Веберн уделял инструментальной, камерно-вокальной и хоровой музыке. Лучшие его произведения, как правило, представляют собой цикл миниатюр, в которых сменяют друг друга тончайшие эмоциональные нюансы и ощущения. Среди них — Пять пьес для оркестра (1913 г.).

Оркестр для Веберна не был единым целым — это скорее ансамбль солистов, сменяющих друг друга в каждой пьесе. И главное в звучании такого ансамбля — оригинальные сочетания тембров, стремление к объёмности, «стереофоничности» звука. Работа над музыкой для хора была особенно близка Веберну, изучавшему традиции хоровой полифонии.

Многие произведения появились в период, когда он руководил хором Венского рабочего певческого общества (1923— 1934 гг.). Для хоровой музыки Веберна характерно парадоксальное сочетание сложных тем, насыщенных скачками звуков, и мягкого, напевного звучания.

Преобладающее настроение его музыкальных произведений — нежная и сосредоточенная просветлённость, особенно если сочинение написано на духовный текст, как, например, Пять духовных песен (1917—1922 гг.) или Пять канонов на латинские тексты (1924 г.).

В инструментальной музыке позднего периода мастер стремился к предельной выразительности каждого звука и к лаконичности языка. Он стал одним из основоположников музыкального пуантилизма (от фр.

pointiller — «писать точками») — направления, представители которого мыслили не темами и мелодиями, а отдельными звуками («точками») и краткими мотивами.

Поиски Веберна в этом направлении впоследствии серьёзно изучались композиторами послевоенного авангарда.

Зарубежная музыка начала 20 века Зарубежная музыка начала 20 века Зарубежная музыка начала 20 века



Источник: https://infopedia.su/15x17d9.html

Зарубежная музыка начала 20 века — MUSIC ACADEMY

Зарубежная музыка начала 20 века

Музыкальная жизнь этого периода тоже отличалась бурностью событий и частой сменой направлений, напряженным поиском новых средств выразительности в музыкальном искусстве. Нередко эти поиски были связаны с поисками в других видах искусства. Направления, родившиеся в литературе или изобразительном искусстве постепенно захватывали другие виды искусства, в частности музыку.

В музыке новый период начинается с выдвижения символической школы, другие называют это музыкой импрессионизма из-за богатства и причудливой смены полутонов близкой живописи импрессионистов. Она возникла во Франции, и ее последователи скоро заявили о себе по всей Европе. Символисты выступили против повсеместно господствующего академизма и неоромантики в духе Вагнера.

«Нужно искать пути после Вагнера, а не идти по стопам Вагнера», утверждал Клод Дебюсси. Символисты обратились к неразработанным богатствам музыкального фольклора Испании, Дальнего Востока, скандинавских народов, освежают музыку оригинальной ритмикой, необычайной тембровой окраской. Стремясь преодолеть мощное влияние Вагнера, они развивают традиции XVIII в.

— Рамо и Моцарта.

Символизм (импрессионизм) раньше всего заявил о себе в фортепианных миниатюрах и романсах 90-х гг. Клода Дебюси. А прелюдия «Послеполуденный отдых фавна» (1894) считается манифестом музыкального символизма (импрессионизма).

Это произведение построено на прихотливых ассоциациях, отличается яркой экзотической красочностью, богатством тонких оттенков, оно полностью свободно от всех академических условностей.

Возникнув в среде художников, импрессионизм как направление вскоре захватил скульпторов, а затем и композиторов, и был наиболее устойчивым направлением конца XIX в.

Клод Дебюсси (1862—1918)

Итак, основателем импрессионизма в музыке стал французский композитор Клод Дебюсси (1862—1918). Творческое наследие Дебюсси не очень обширно.

Начал с сочинений, в которых чувствовалось влияние русской школы Мусоргского, Римского-Корсакова.

Но в таких произведениях, как «Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны» (1899), «Образы», опера «Пеллеас и Мелизанда» (1902), фортепианные пьесы, он выступает как яркий новатор.

Три симфонические пьесы под общим названием «Ноктюрны» для скрипки с оркестром были написаны для известного бельгийского скрипача Эжена Изаи, симфонический вариант был закончен в 1899 г. К первому исполнению, в 1900 г.

автор написал комментарий, где подчеркнул, что под ноктюрном имеется в виду не привычная форма, а впечатления и ощущения от света. К содержанию первой пьесы из цикла «Облака» композитор написал: «Это вечный образ неба с медленно и меланхолично плывущими облаками, умирающими в серой дымке, нежно оттененной белым светом.

» (У Шарля Бодлера есть одноименное стихотворение в прозе, очень близкое к музыке Дебюсси.

) Вторая пьеса — «Празднества» — это движение, пляшущий ритм атмосферы с внезапными вспышками яркого света, здесь также эпизод шествия (ослепительное и призрачное видение), проходящего сквозь праздник и сливающегося с ним; но фон остается все время — это праздник, это смешение музыки со светящейся пылью, составляющее часть общего ритма.

Третья пьеса — «Сирены» — это море и его безгранично многообразный ритм; среди посеребренных луной волн возникает, рассыпается смехом и удаляется таинственное пение сирен.

Из этих объяснений композитора видно, что Дебюсси создавал музыку утонченных образов, которой свойственны полутона настроений, изысканность гармоний.

Гармония его музыки возникала совершенно из другого звукоощущения, чем гармония прежней музыки.

Морис Равель (1875—1937)

Вторым замечательным представителем музыки импрессионизма был французский композитор Морис Равель (1875—1937). Его музыка отличается большей, чем у Дебюсси, энергией и динамикой. Недаром так велики его достижения в жанре балета. Его «Болеро» и «Вальс» называют симфоническими поэмами танца.

Две характерные черты творчества Равеля сказались в «Болеро»: любовь к танцу и глубокий интерес к испанской музыке. «Болеро» представляет собой одну цепь непрерывного динамического нарастания. «Чудом композиторского мастерства» назвал С. Прокофьев эту балетную пьесу.

Расцвечивая тему бесконечно меняющимися красками, излагая ее в «Тысячах различных нарядов» (С. Прокофьев), Равель виртуозно использовал возможности современного оркестра, создав ослепительно инструментованное произведение.

Гротесковое начало проявилось в таких вещах Равеля, как опера-буфф «Испанский час» (1907) и хореографическая поэма «Вальсы» (1920). Это сближает Равеля с экспрессионистами.

Равель смог найти свою индивидуальную манеру высказывания, еще более расширить звукоизобразительные колористические возможности музыки. Красочность и живописность его музыки никогда не заслоняла содержания.

От мечтательно-поэтической музыки Дебюсси его музыка отличалась ослепительной яркостью и броскими красками испанского фольклора. Одной из вершин его творчества явился балет «Дафнис и Хлоя», написанный в 1909 г. по заказу С.

Дягилева для выступлений в Париже русской балетной труппы.

Модернизм в музыке

Музыкальные пейзажи импрессионистов остаются непревзойденными по тонкости и изысканности красок, по существу столь же характерными для французской художественной культуры.

Поколение французских композиторов, выступавших вслед за импрессионистами (уже после первой мировой войны) — А. Онеггер, Д. Мийо, Ж. Оик, Ф. Пуленк и другие — отвернулось от своих предшественников, их утонченность и изысканность оказались не соответствующими новому времени. А в 1918 г.

увидела свет книга Жана Кокто «Петух и Арлекин». Ее автор — известный в то время французский поэт, художник и музыкальный критик — писал: «…Довольно облаков, туманов, аквариумов и ароматов ночи, нам нужна музыка земная, музыка повседневная!..

» Этот год некоторые считают годом рождения модернизма в музыке.

Ранее всего модернистические тенденции проявились в творчестве немецких композиторов-экспрессионистов — представителей новой венской школы (об этом чуть ниже). Во многом противостоял романтической традиции и крупнейший композитор того времени Рихард Штраус (1864—1949). В музыке Штрауса заметны черты натурализма.

Он чрезмерно увлекался жизнеподобием и прямой имитацией, звукоподражанием. В его музыкальных драмах «Саломея» (1905) и «Электра» (1909, на сюжет Гофвансталя) ощущается воздействие декаданса. Но в 1911 г. появляется великолепная комическая опера «Кавалер роз». Будучи вплоть до 1918 г.

директором Берлинской оперы, композитор немало сделал для обновления ее репертуара.

Классические традиции в музыке

Классические бетховенские традиции нашли свое развитие в творчестве австрийского симфониста Густава Малера (1860—1911), который был выдающимся дирижером, а в 1897—1907 гг. руководил Венской оперой.

Между 1888 и 1909 гг. Малер создает 10 симфоний, каждая из которых становится событием в музыкальной жизни Европы. Он резко поднял общественное звучание музыкальных произведений, возродил на новой основе традиции философской симфонии-исповеди.

Малер смело использовал в симфониях вокальное и хоровое начала, добивался гармонического единства сложнейших музыкальных тем с бесхитростными мелодиями фольклора.

Малер шел от традиций Бетховена и Шуберта, ему были чужды символические и натуралистические увлечения.

Натурализм в музыке

Натурализм же получил развитие в итальянской музыке под названием веризма. Его последователями здесь выступили

  • Джакомо Пуччини (1858—1924),
  • Пьетро Масканьи (1863—1945),
  • Реджеро Леонкавалло (1857—1919).

Как писатели-веристы они посвящали свои музыкальные драмы жизни бедных людей, смело вводили прозаические музыкальные ситуации.

В музыке отказывались от вокальных «ударных номеров» и тяготели к декламации, к использованию имитации шумов, пения птиц, звуков прибоя и т. п.

«Богема» (1896) и «Тоска» (1900) Пуччини положили начало камерной лирической драме на оперных подмостках. Этот жанр нашел высшее воплощение в «Чио-Чио-Сан» (1904).

Экспрессионизм в музыке

Проведенная веристами оперная реформа доказала свою плодотворность в последующем развитии музыкально-драматического искусства в Европе.

Главной болезнью XX в. стала утрата положительного идеала. Как и в искусстве, так и в музыке нередко образы зла и разрушения показаны более ярко, чем силы добра и созидания.

Это сказалось в творчестве и Густава Малера, оказавшего сильное влияние на искусство XX в. Одно из самых замечательных его произведений — вокально-симфоническая «Песнь о земле», полна глубокой безысходной печали, печали прощания с жизнью.

Показательна уже первая фраза, которая могла бы стать эпиграфом: «Жизнь темна, темна и смерть». В начале XX в. для немецких композиторов было характерно увлечение экспрессионизмом — стремление к обостренной, преувеличенной выразительности.

  • В этой области искали Арнольд Шенберг (1874—1951), Альбан Берг (1885—1935), Антон фон Веберн (1883—1945) и другие представители новой венской школы.
  • «Печаль становится обреченностью, депрессией, отчаяние превращается в истерию, лирика кажется разбитой стеклянной игрушкой, юмор становится гротеском…
  • Основное направление — крайняя боль,» — так характеризовал положение в музыке немецкий композитор Ганс Эйслер (ученик Шенберга), который посвятил свой талант немецкому и международному рабочему движению.
  • Шенберг и Берг создали большие художественные ценности критического характера, имеющие значение приговора над действительностью.

Шенберг — отец музыкального модернизма — создал новую музыкальную технику, отвергающую полностью ладомузыкальную основу, получившую название додекафония (от греч.

dodeka — двенадцать и phone — звук) — метод музыкальной композиции, при котором отрицаются ладовые связи (тяготения) между звуками и каждый из 12 тонов хроматического звукоряда (звуки в пределах октавы) считаются равноправными без различия тонов на устойчивые и неустойчивые.

Творчество и учение Шенберга произвели переворот в многовековой практике композиции. Впервые реформа музыкального языка отвергла преемственность с музыкой прошлого. Шенберг и его преемники полностью порывают с ладотональной системой. Сочинение музыки, согласно Шенбергу, представляет собой чисто умозрительное конструирование, подобное решению задач математической логики.

В годы первой мировой войны Берг создал оперу «Воццек» о судьбе молодого солдата (от издевательств в казарме доходит до психоза и преступления). Это произведение считают вершиной творчества экспрессионистов, оно стоит в одном ряду с антивоенными произведениями Ремарка и Хемингуэя. После 1-й мировой войны композиторы обратятся к поиску потерянного идеала.

Авангардизм в музыке

Еще большим отходом от традиций классического музыкального наследия отмечено течение авангардизма, основанного на принципах нововеновской школы с привнесением других элементов композиции. Авангардисты включали в звуковую ткань произведения различного рода шумы, звуки электронных синтезаторов, отметим это, забегая вперед.

Одной из разновидностей музыкального авангардизма стала алеоторика (лат. alea — игральная кость, случайность) — течение в современной музыке, возникшее в 50-е гг. XX в.

в ФРГ и во Франции; основано исключительно на применении принципа случайности как в процессе создания произведения, так и его исполнения. В Хаотичном звукосочетании авангардисты применяли принцип сонорности (лат.

sonorus — звонкий, звучный, шумный) — композиторская техника, построенная на использовании красочных созвучий.

Неоклассицизм в музыке

Представителями неоклассицизма считают русского Игоря Стравинского и немца Пауля Хиндемита (1895—1963). Опору для своих творческих исканий эти крупнейшие композиторы XX в. искали в музыке добаховского и баховского времени. Балеты Стравинского и опера «Художник Матисс» (1938) Хиндемита по праву вошли в золотой фонд музыки XX в.

Выводы

В заключении отметим, что музыка ярчайшего новатора Шенберга, полностью перевернувшего традиционное представление о музыкальном языке, в наши дни почти не звучит и представляет интерес как историческая веха в развитии приемов композиторского письма, а музыка Рахманинова, писавшего старомодно, звучит сегодня широко и представляет неотъемлемую часть искусства сегодняшнего дня. Возникнув в среде художников, импрессионизм как направление вскоре захватил скульпторов, а затем и композиторов, и был наиболее устойчивым направлением конца XIX в.

Источник:

Зарубежная музыка и музыка России XX века

Зарубежная музыка начала 20 века

На первый взгляд может показаться, будто между музыкальным искусством XX в. и всех предшествующих столетий лежит пропасть — столь велики различия в звуковом облике произведений. Даже сочинения 10—30-х гг. многим слушателям представляются очень сложными, резкими по звучанию, излишне напряжёнными. На самом деле в XX в.

Источник: https://shademark.ru/drugoe/zarubezhnaya-muzyka-nachala-20-veka.html

«Зарубежная музыка 20 века. Стили и направления»

  • Русская и зарубежная музыкальная культура ХХ вв
  • Тема урока: «Зарубежная музыка 20 века. Стили и направления»
  • Цель урока: создание представления о развитии зарубежной музыки в 20 веке.
  • Задачи:
  1. сформировать представление о развитии классико-романтическом направлении в музыке (творчество Густава Малера), экспрессионизма в музыке (Арнольд Шёнберг и новая венская школа), становлении национальных школ в музыке: немецкой (Пауль Хиндемит), английской (Бенджамин Бриттен), венгерской (Белла Барток), американской (Джордж Гершвин), бразильской (Эйтор Вило-Лобос), о развитии джазовой, рок- и поп-музыки в 20 веке.

  2. актуализировать понимание явления модернизма в художественной культуре;

  3. создать условия для усвоение таких понятий как: модернизм и экспрессионизм в музыке, додекафония, атональная музыка, неофольклоризм, пентатоника, джаз, полиритмия, спиричуэлс, блюз, ритм-энд-блюз, регтайм, свинг, бибоп, стиль кантри, музыка вестерн, рок-музыка: блюз-рок, хард-рок, хэви-металл, рок-опера, поп-музыка, мюзикл.

  4. воспитывать уважительное отношение к творчеству и индивидуальному видению мира творца музыкального искусства;

  5. развивать эстетический взгляд и эстетический вкус, способность анализировать и рефлексировать действительность и её объективные процессы.

Межкурсовые и внутрикурсовые связи: модернизм в художественной культуре 20 века за рубежом и в России в разных видах искусства.

Ход урока

2. Актуализация знаний. 

20 век — время «неслыханных перемен» и «невиданных мятежей», научно-технического прогресса и острых политических катаклизмов – обусловил глубокие и серьёзные изменения в искусстве, определил новые и оригинальные пути его развития.

С одной стороны, искусство 20 века – это отказ от старых художественных традиций, попытка творчески переосмыслить классическое наследие прошлого. С другой – это более чем смелые новации, эксперименты, не ограниченные какими бы то ни было рамками и условностями. Никогда ещё художник не был так свободен в своём творчестве.

Создавая картину мира, он получил реальную возможность ориентироваться на собственный вкус и пристрастия.

Искусство 20 века необычайно разнообразно. Порой оно представляется сплошным нагромождением стилей, направлений, течений и школ, одновременно взаимодействующих и противоборствующих между собой.

Вместе с тем этот противоречивый процесс в полной мере отражает характерные особенности своего времени.

Он лишён логики, имеет общие тенденции развития, подчиняется определённым закономерностям и правилам.

Впервые искусство отказывается от подражания миру, воспроизводить модель мира. Искусство не подражает, а моделирует действительность по собственному проекту. Усилия направлены, чтобы выявить в реальном мире его реальные глубинные первоосновы.

Зарождаются новые направления: модерн, фовизм, экспрессионизм, футуризм, сюрреализм, кубизм, абстракционизм и т.д. Почти каждое направление опирается на свою разработанную теорию.

  1. Сообщение темы и целей урока 

Давайте послушаем ваши любимые композиции в ваших телефонах. Каких композиций больше русских или зарубежных. Почему? Тема сегодняшнего урока: «Зарубежная музыка 20 века. Стили и направления». Как вы думаете, какие цели мы должны поставить на уроке? (ответы детей). Зачем нам необходимо знать о тенденциях развития зарубежной музыки в 20 веке? (ответы детей).

 Изучение нового материала урока

Вступительный рассказ учителя Какими только эпитетами не награждали музыку 20 века: «модернистская», «элитарная», «авангардистская», «дегенеративная», «буржуазная», «большевистско-пропогандисткая», «революционная», «попсовая».

Разобраться в этом калейдоскопе определений не просто, поэтому обратимся лишь к самым значительным, ярким именам и явлениям музыкальной культуры 20 века, определившим её общий характер и основные пути развития.

Частая смена художественных направлений, течений и стилей открыла безграничные возможности для слушателей, удовлетворяя самые изысканные и самые непритязательные вкусы человека.

На самом деле в XX в., как и в любые другие эпохи, музыка точно отражала эмоциональную и духовную жизнь людей. По сравнению с предшествующими столетиями темп жизни человека ускорился, её ритм стал более жёстким и напряжённым.

Трагические повороты истории — войны, революции, тоталитарные режимы, появление ядерного оружия — не только обострили душевные противоречия, присущие людям во все времена, но и поставили человечество на грань уничтожения.

 Именно поэтому тема противостояния жизни и смерти стала ключевой в музыке XX в.

. В музыку вошёл таинственный и странный мир снов, неосознанных желаний и инстинктов. Новое содержание требовало новых форм, и многие композиторы пришли к идее радикального обновления музыкального языка.

Прежде всего, они отказались от традиционной европейской системы ладов и тональностей. Музыканты уже не ограничивались рамками мажора или минора, не ориентировались на семи звучный звукоряд конкретной тональности. Появилось понятие атональная музыка. .

Вместе с тем, выдвигая новые музыкальные принципы, 20 век с трудом преодолевал романтические тенденции, вновь и вновь искал опору в традициях старинной музыки барокко и классицизма. Выдвинутый И.Стравинским лозунг «Назад к Баху!» лишний раз подтверждал прочность классических традиций в музыке.

Но время смелых поисков и экспериментов уже диктовало новые пути развития музыкальной культуры.

Что же в сущности изменилось в музыке 20 столетия? «Музыка модернизма» (в тетрадь)

Новое музыкальное мышление конца 19-начала 20 в. «выстраивалось» в русле модернизма и развивалось параллельно с изобразительным искусством, литературой, театром и кино. На целое десятилетие модерн определил лицо эпохи и дал ряд гениальных сочинений, имеющих непреходящее значение.

Густаву Малеру – одному из талантливейших австрийских композиторов и дирижёров суждено было связать музыкальную культуру двух столетий. В своём творчестве он завершил этап романтизма и положил начало модернизму.

В жанре симфонии он увидел безграничные возможности для экспериментов в области совершенствования формы и выражения наиболее существенных проблем своего времени. В симфонических произведениях он говорил о вечных проблемах бытия: жизни и смерти, хаосе и гармонии.

Главный интерес композитора находился в сфере человеческой личности, которую он считал высшей ценностью мироздания. Музыку Малера отличает глубокое сострадание и предельная искренность к каждому человеку.

«Экспрессионизм в музыке» (в тетрадь)

От трагичной и одновременно просветлённой музыки Малера путь лежал к творческим поискам экспрессионизма. От латинского expressio – выражение, выявление.

Новое направление в музыке первых десятилетий 20 века отражало трагические переживания и глубочайшие потрясения человека времён Первой мировой войны: страх отчаяние, одиночество, болезненную напряжённость.

Основоположник экспрессионизма в музыке Арнольд Шёнберг писал:

«Искусство – есть крик о помощи тех, кто переживает в себе судьбу человечества».

Экспрессионизм сложился в Австрии и был представлен творческим содружеством Арнольда Шёнберга, Альбана Берга и Антона Веберна. В историю музыки это содружество вошло под названием «новой венской школы». Творческие поиски композиторов привели к созданию собственной музыкальной системы, получившей название «додекафония». 

Экспрессионизм в музыке положил начало многим авангардистским течениям, в частности атональной музыке.

 Первичное закрепление

  • Какие черты характерны для музыки модернизма?
  • Почему творчество Малера принято рассматривать как связующее звено между 19 и 20 веком?
  • Что характерно для музыки экспрессионизма?

Продолжение изучения нового материала Рассказ учителя о появлении джаза

— Что вы знаете о джазе?

В XX столетии в США появился новый вид музыкального искусства — джаз. Он возник в результате сплава традиций европейской и афроамериканской музыки (значительную часть населения США составляют потомки африканских рабов). В основе джаза лежит импровизация. Джазовый импровизатор — это не композитор и исполнитель в одном лице, а особый тип художника.

  1. Европейская и африканская народная музыка с её ритмической чёткостью и коллективной импровизацией составляют основу американской джазовой музыки.
  2. Прослушивание музыкального фрагмента из творчества Элвиса Пресли.
  3. О каком этапе развития музыкального искусство мы будем говорить далее? (о развитии рок-музыки и в частности рок-н-ролла)
  4. Что вы знаете об этой музыке, о её течениях, о её исполнителях? (ответы детей)
  5. Рассказ учителя о развитии рок-музыки

Во второй половине XX в. возникло новое явление художественной культуры — рок музыка (англ, rock music), или рок. Оно объединило музыкальное, поэтическое, сценическое и другие виды искусства. Рок музыке сложно дать однозначное определение.

Как музыкальное явление рок начал формироваться в 50х гг. в США. В той или иной степени на его развитие повлияли блюз, джаз, кантри др. Ведущая роль в этом процессе принадлежала блюзу — песенному и инструментальному фольклору афроамериканцев.

С течением времени рок музыка включила в себя также черты многих других музыкальных традиций.

Становление рок музыки происходило в тесном взаимодействии с общественными движениями, от стаивавшими права молодёжи, расовое и социальное равенство, отказ от применения военной силы и т. д.

Рок музыка способствовала разрушению расовых и социальных барьеров и во многом изменила мировоз зрение и образ жизни американцев и европейцев. Однако со временем рок в значительной степени утратил общественную значимость. Первым направлением рок музыки, завоевавшим международную известность в середине 50х гг.

, стал рок н ролл (англ, rock'n'roll, от rock and roll — «раскачиваться и вращаться»). Рок н ролл — это прежде всего танцевальная музыка. Он представляет собой сочетание упрощённого и быстрого по темпу ритм энд блюза с музыкой кантри. Рок н ролл пользовался популярностью у американской молодёжи в 50х гг.

, но к концу десятилетия от ношение к нему изменилось. Первое поколение поклонников рок н ролла повзрослело, а многие звёзды по разным причинам покинули сцену.

В конце 50х гг. в Англии, куда увлечение рок н роллом пришло из США, появились собственные исполнители, музыку которых англичане назвали бигбит (англ, big beat — «большой бит»), или просто бит. Наиболее выдающиеся представители этого направления — группа «Битлз» (англ. The Beatles, от beat — «бит» и beetles — «жуки»).

Что вы знаете о «Битлз»?

Рассказ учителя

К концу 60-х годов возникло множество музыкальных направлений рок-музыки. Возросла роль импровизации, инструментальной музыки, увеличилось время исполнения композиций.

Границы между направлениями рок-музыки весьма условны, так как творчество каждой из групп могло включать характерные особенности нескольких из них.

Одним из таких направлений стал блюз-рок, вобравший черты фольклора (фолк-рок), классической музыки (арт-рок), джаза (джаз-рок).

Одним из ярких представителей блюз-рока стала группа «Роллинг Стоунз» (катящиеся камни). Лидео группы — Мик Джаггер.

  • Прослушивание фрагмента из творчества «Роллинг Стоунз»
  • Н рубеже 60-70 веков складывается новое направление рок-музыки – хард-рок.
  • Какие музыкальные группы относятся к этому течению рок –музыки?
  • (Лед Зеппелин – свинцовый дирижабль, Дип Пёрпл – Яркий пурпур, Блэк Сэббат — чёрный шабаш)
  • Прослушивание одного из фрагментов

В 70 годы хард-рок получил новый стиль — хэви-металл. Одним из жанров рок – музыки становится рок-опера – театрализованное представление с сюжетом, действующими лицами и декорациями.

Выдающимся произведением этого жанра является рок-опера «Иисус Христос – суперзвезда» Эндрю Ллойда Уэббера. (по возможности посмотреть фрагмент).

Не меньшей популярностью пользуется и жанр мюзикла – музыкального произведения со «вставными номерами», придающими сюжету особую эмоциональную окраску.

Какие мюзиклы вам известны?

Так же во второй половине 70 годов развивается поп-музыка.

Какие исполнители этого направления зарубежной эстрады вы знаете? Об одном из них дома сделайте сообщение.

  1. Рефлексия – ресурсный круг.
  2. Что я слышу, когда говорят «зарубежная музыка 20 века»
  3. Что я вижу, когда говорят «зарубежная музыка 20 века»
  4. Что я чувствую, когда говорят «зарубежная музыка 20 века»

Источник: https://infourok.ru/zarubezhnaya-muzika-veka-stili-i-napravleniya-2703443.html

Музыка века: лучшие песни за последние 100 лет

  • Радиостанция «Серебряный дождь» определила 100 лучших песен XX века, а «РБК Стиль» их послушал.
  • 20-30-е
  • «Georgia on My Mind»

 

В 1979 году знаменитая композиция «Georgia on My Mind» стала официальным гимном американского штата Джорджия. Но написана она была существенно раньше. Автором слов песни стал Стюарт Горрелл, музыки — Хоги Кармайкл.

Оркестр последнего сделал первую запись композиции в 1930 году. А самая известная версия песни прозвучала в 1960 году в исполнении Рэя Чарльза, который получил за нее «Грэмми».

 

«Summertime»

Арию «Summertime» в 1935 году для оперы «Порги и Бесс» написал композитор Джордж Гершвин. По одной из версий, он создал ее в качестве стилизации под спиричуэлс.

По другой — взял за основу украинскую колыбельную песню «Ой ходить сон коло вікон», которую услышал в Нью-Йорке в исполнении Украинского национального хора.

По количеству исполнений «Summertime» опередила знаменитую песню группы The Beatles «Yesterday». Но наиболее популярной стала версия Луи Армстронга и Эллы Фицджеральд.

  «Puttin' On The Ritz»

Знаменитый джазовый стандарт в 1929 году сочинил американский композитор Ирвинг Берлин, известный как автор 900 песен, 19 мюзиклов и музыки к 18 кинофильмам. Композиция стала популярна после выхода на экраны в 1930 году одноименного кинофильма, а после и вовсе превратилась в неофициальный гимн Голливуда.

Так как в 30-е годы в Америке еще не преобладали антирасистские настроения, изначальная версия песни содержала множество отсылок к негритянским символам и образу жизни. Но в 1946 году Берлин был вынужден внести в текст изменения.

Так, упоминавшуюся в песне Ленокс-авеню в Гарлеме он заменил на Парк-авеню, сделав героями песни богатых белых горожан.

   

40-е

Эдит Пиаф — «La Vie En Rose»

«La Vie En Rose» — одна из самых известных песен великой французской певицы.

Она была написана в 1945 году, но широкую популярность обрела только спустя год, а еще через год, в 1947-м, ее выпустили в качестве международного сингла.

Эта композиция — квинтэссенция всего, за что любят Пиаф как артистку, так что в том, что автобиографический об Эдит получил такое же название — «La Vie En Rose» («Жизнь в розовом цвете»), нет ничего удивительного.

   

Марлен Дитрих — «Lili Marleen»

«Лили Марлен» была написана в годы Второй мировой войны, и являет собой доказательство того, что настоящая музыка всегда остается вне политики. Эта песня на немецком языке, записанная в США чуть ли не по заказу правительства, и, в общем-то, призванная деморализовать немецких солдат, снискала невероятную популярность — вне зависимости от того, за какую страну ее слушатели воевали.

   

Фрэнк Синатра — «Full Moon and Empty Arms»

Фрэнк Синатра — не просто певец, но целая эпоха в истории американской культуры. Его знаменитый глубокий, бархатный голос западал в душу слушателей на протяжении нескольких десятилетий.

Песня «Full Moon and Empty Arms» увидела свет в 1945 году. Она основана на Концерте для фортепиано с оркестром №2 Сергея Рахманинова, а написал ее композитор Бадди Кэй совместно с Тэдом Моссманом. Однако именно вокал Синатры принес ей статус хита. Кроме Великого Фрэнка ее, спустя пятьдесят лет, также исполнил другой легендарный певец — Боб Дилан.

   

50-е

Чак Берри — «Johnny B. Goode»

Один из самых известных гитарных рифов родился в 1955 году. А отцом его стал Чак Берри, человек, которого считают родоначальником рок-н-ролла. Именно его музыка, успешно сочетавшая в себе черты кантри и блюза, заложила основы того, что сейчас мы именуем роком.

Журнал Rolling Stone назвал «Johnny B. Goode» величайшей гитарной песней всех времен, Берри стал первым музыкантом, который вошел в зал славы рок-н-рола. Он выступает до сих пор и исполняет свою «Johnny B. Goode» на концертах. В 89 лет.

   

Элвис Пресли — «Jailhouse Rock»

Одна из самых известных и узнаваемых песен короля рок-н-ролла, написанная для него знаменитым творческим дуэтом Джерри Либера и Майка Столлера. Если глядя на название, вы думаете, что никогда ее не слышали, то наверняка ошибаетесь: это одна из тех композиций, что узнаются с первых нот. На сегодняшний день переиграна тысячи раз самыми разными музыкантами.

   

60-е

The Beatles — «Eleanor Rigby»

Песня, выделяющаяся не только на фоне творчества The Beatles, но и поп-музыки того времени в целом. Атмосферные скрипки поддерживают одни из самых завораживающих вокальных мелодий в репертуаре группы.

Текст написал Пол Маккартни, и при записи музыканты из The Beatles выступали только в качестве вокалистов, все партии в аранжировке сыграли сессионные музыканты. Эта песня обозначила перелом в творчестве четверки и раскрыла его новые грани.

А поп-музыка уже не могла оставаться прежней.

   

Джими Хендрикс — «All Along The Watchtower»

Человек, фактически открывший миру электрогитару.

До Хендрикса никто так не работал с этим инструментом: он раскрыл ее совершенно по-новому, обильно используя подгруженный звук, упиваясь палитрой его возмжностей, популяризируя эффекты, обратную связь гитары и усилителя, отчего у слушателей того времени натурально падала челюсть. Хендрикс — гений и музыкальный революционер, виртуоз с невероятным музыкальным чутьем, вкусом и выдающейся техникой игры.

   

70-е

Queen — «Bohemian Rhapsody»

Многослойный музыкальный шедевр, сочетающий в себе элементы прогрессивного рока, тяжелого рока и оперы.

Выдающийся вокал Меркьюри в сочетании с захватывающей партией и пронзительный текст навечно застолбили «Богемной Рапсодии» место в списке лучших песен в истории музыки.

Лейбл, на котором издавалась Queen, к слову, категорически заявлял, что эта песня никогда не станет хитом в силу своей длительности.

   

The Doors — «Riders of The Storm»

Фирменное звучание The Doors: мощный текст, узнаваемый глубокий голос Моррисона (конкретно в этой песне поддерживаемый его же шепотом и шумом дождя с раскатами грома на заднем фоне), густая атмосфера.

Вместе с тем песня не кажется сложной при прослушивании, и практически мгновенно запоминается. Это последняя песня The Doors, вышедшая при жизни Моррисона. Апогей его творческого наследия в каком-то смысле.

   

Pink Floyd — «Another Brick in the Wall, part 2»

Hey, teacher, leave the kids alone! Всего есть три официальные версии этой знаменитой песни, каждая из них — вариация на тему основной мелодии. Наиболее известна, пожалуй, вторая часть: она, например, была номинирована на «Грэмми».

 

  80-е

Prince — «When Doves Cry»

Один из главных хитов великого Принца, покинувшего нас в этом году. «When Doves Cry», «Когда голуби плачут», стал самым продаваемым синглом по версии Billboard.

   

Michael Jackson — «Billie Jean»

Музыка снова победила расовые предрассудки и политику: клип на «Billie Jean» стал первым видео на песню афроамериканского исполниетеля, которое взяли в ротацию телеканала в США. Знаменитую лунную походку Джексон впервые продемонстрировал исполняя именно эту песню.

   

Depeche Mode — «Never Let Me Down Again»

Эту песню британцы из Depeche Mode исполняли чаще, чем какую-либо другую. Фанаты не против.

Источник: https://style.rbc.ru/view/music/576c02599a79477ece931cb1

Ссылка на основную публикацию