Игра в ансамбле: тонкости и нюансы

Занятия проводятся по специальной разработанной методике, позволяющей всем начинающим гитаристам независимо от музыкальных данных, развитости пальцев рук  успешно осваивать программу обучения.

Занятия в группе построены так, что каждый участник оказывается максимально вовлеченным в процесс обучения. Перед занимающимися поставлена четкая задача: освоить музыкальный инструмент в минимальные сроки. И эта задача решается на каждом занятии путем всевозможных упражнений на развитие пальцев, постановку игрового аппарата.

Ансамбль «Сердолик» рук. Ю.Усов

Основная сложность при освоении гитары на начальном этапе заключается в трудности постановки аккордов. Процесс привыкания к грифу гитары немыслим без ежедневных тренировок пальцев и кисти.

Для дополнительных занятий по развитию и укреплению игрового аппарата гитаристов я рекомендую гитаристам обще развивающие упражнения без инструмента: упражнения на растяжку кисти и пальцев, упражнения на улучшение координации пальцев, тренировки на улучшение подвижности и гибкости.

Такими упражнениями обучающиеся могут заниматься где угодно — дома, в транспорте, в школе.

Научиться ставить правильно и точно аккорд — не большая проблема. Намного сложнее дело обстоит при соединении аккордов в гармоническую последовательность. Вот здесь приходится поработать основательно и на занятиях ансамбля и дома. Сотни и сотни раз выполняются переходы с аккорда на аккорд. Занятие, скажем честно, нудное, рутинное. Но…необходимое.

Совместно с нашим доморощенным концертмейстером из ансамбля «Кнопочки баянные» Владом Никулиным мы наигрываем простенькие мелодии, состоящие из нескольких аккордов.

За несколько лет занятий в ансамбле «Кнопочки баянные» основательно освоил баян, принимал участие во многих концертах и фестивалях.

 К сожалению не у всех занимающихся есть свои личные гитары. На занятиях в ансамбле мы используем балалайки и домры, перестроенные на гитарный строй. Грубоватое, конечно, решение, но… Через каждые пять минут занятий девчонки меняются по кругу инструментами. В этом есть весьма положительный момент. Дело в том, что у гитар разные по толщине грифы, разная высота струн над грифом и т.д. При игре на разных инструментах гитаристы дополнительно тренируют свой игровой аппарат, учатся его подстраивать (быстро приспосабливать) под разные инструменты. Использование балалаек — тоже с умыслом. Балалаечники нам очень нужны в других ансамблях. Так что навык игры на балалайке занимающихся может быть использован в дальнейшем в составе ансамблей «Кнопочки баянные» и «Гармошечка».Об ансамблевой игре

Конечно же у нас не музыкальная школа, а просто клубное объединение, в котором собрались подростки, желающие научиться играть на гитаре на бытовом уровне – для себя. Разные характеры, возраст, разный уровень мотивации. Казалось бы, результаты коллективного обучения при таком составе участников будут не слишком впечатляющими. Однако…

Коллективность делает свое дело: отстающие и те, у которых нет возможности заниматься дома из-за отсутствия гитар, выкладываются на занятии полностью. Положительные результаты есть. За три месяца занятий мы разучили несколько инструментальных произведений и песен. Ансамблевая игра как нельзя лучше дает начинающим гитаристам понятие о движении мелодии, ее гармонической структуре, учит правильно и точно вести аккомпанемент.В составе ансамбля 16 девчонок с 7 по 11 класс. Несколько девушек приезжают на занятия из других населенных пунктов (Шадрино, Старожилово, Скоробогатово). Занятия проводятся три раза в неделю в вечернее время в оркестровом классе Дома культуры. В классе недавно сделан капитальный ремонт: стены обшиты гипсокартоном, поставлены пластиковые окна, заменены батареи отопления, смонтированы подвесные потолки со встроенным в них освещением. Тепло, светло,уютно, комфортно.В процессе ансамблевой игры значительно и быстро развиваются музыкальные и игровые данные учеников. Наиболее значима игра в ансамбле для детей и подростков, имеющих средненькие данные и не имеющих возможности заниматься дома.Для нашего небольшого населенного пункта уже стало привычным видеть на улице детей с гитарами, баянами, гармошками, которые спешат на репетицию музыкальных групп и объединений. Сейчас в ансамблях баянистов — «Кнопочки баянные», гармонистов — «Гармошечка», гитаристов — «Сердолик» занимаются около пятидесяти учеников. Если учесть, что в нашей Подсосенской школе обучается сто семьдесят человек и большое количество детей «на подвозе» и не имеет возможности заниматься в наших музыкальных объединениях во внеурочное время, то, думаю, охват детей музыкальными занятиями приличный.

Прекрасные песни под гитару:

«По нехоженым дорожкам» 

«Три синички»

Ещё по теме

data-matched-content-rows-num=»3″ data-matched-content-columns-num=»2″

Источник: https://shkolamuzikant.ru/kollektivnoe-obuchenie-igre-na-gitare/

Игра в ансамбле: тонкости и нюансы, Музыкальный класс. Метод

Методическая разработка на тему: Роль ансамблевого музицирования в музыкальном развитии и воспитании учащихся ДМШ

Данная разработка будет полезна для преподавателей ДМШ, ДШИ. Также материал будет интересен студентам педагогических колледжей и высших учебных заведений, которым интересны вопросы методики музыкального воспитания детей.

Цель:
раскрытие понимания того, что роль коллективного инструментального музицирования в учебном процессе ДМШ является наиболее значимой в учебном процессе, как с творческой, так и с воспитательной стороны.

Задача
: воспитание интереса к игре в ансамбле. В последнее время возрос интерес к ансамблевой игре. Ансамбль — это не просто умение «играть вместе». Гораздо важнее здесь другое — чувствовать и творить вместе, одинаково ощущая идею и замысел музыкального произведения.

Приступать к формированию навыков ансамблевой игры можно и нужно на раннем этапе обучения. Игра в ансамбле развивает слух ребенка, расширяет музыкальный кругозор, а так же вызывает интерес к занятиям музыкой.

Музицируя в ансамбле, ученик активно знакомится с новыми произведениями, быстро и качественно разучивает их, пополняя тем самым свой репертуар и овладевая различными музыкальными стилями. Игра в ансамбле, рождая дух соревнования, благоприятно воздействует на развитие творческих способностей и технических навыков учащихся.

Важно и то, что более сильный партнер способен повлиять на музыкальное и техническое развитие менее подвинутого. Начинать ансамблевое обучение лучше с дуэта «учитель — ученик». Юный исполнитель, ощущая поддержку педагога, охотно включается в процесс совместного музицирования и осознает свою равноправную роль в ансамбле.

В данной ситуации учитель выступает чутким партнером и внимательным наставником, который стремится выработать у своего подопечного важнейшие навыки ансамблевой игры. Совместное музицирование способствует преодолению различных психологических напряжений — зажимов, которые возникают у ребенка в ходе сольного исполнения.

Ансамблевая игра помогает ученику закрепить умения и навыки, приобретенные на уроках по специальности, хорошо развивает чувство ритма, гармонический слух, способствует освоению средств музыкальной выразительности. Разнообразный ансамблевый репертуар обогащает творческое мышление и музыкальный вкус юного музыканта.

Совместные ансамблевые выступления ученика с педагогом позволяют ребенку уже на раннем этапе обучения почувствовать себя артистом, надолго остаются в памяти, стимулируют дальнейшие занятия на инструменте, а у родителей вызывают уважение и доверие к наставнику.

В начале участники ансамбля учатся слушать мелодию, второй голос, аккомпанемент. Нужно научится слушать не только то, что играешь сам, а одновременно и то, что играет твой партнер, то есть общее звучание партий. Большой тренировки и взаимопонимания требует синхронность исполнения музыкального произведения. Важным является достижение синхронности не только в начале произведения, но и в процессе звучания пьесы, и в окончании.

Среди компонентов, объединяющих учащихся в единый ансамбль, одно из главных мест занимает метроритм
. Поэтому формирование чувства ритма — важная задача в музыкальной педагогике. В процессе работы с ансамблем не следует забывать о динамике исполнения. Умелое ее использование помогает раскрыть общий характер музыки, эмоциональное содержание, особенности построения произведения. Участники ансамбля должны точно и ясно представлять общий динамический план произведения. Нужно определить его кульминацию, постепенное усиление или уменьшение громкости. Создание единой динамики — обязательное условие совместной игры. С первых же тактов исполнение в ансамбле требует от участников одинаковых приемов звукоизвлечения, которые зависят от стилевых особенностей исполняемого произведения, от музыкального содержания и характера исполняемой музыки. Приступая к работе над музыкальным произведением, преподаватель должен дать общее представление о характере его музыкального содержания. Для этого нужно проиграть пьесу целиком или прослушать ее в записи. Затем необходимо рассказать о значении и функции каждой из партий. Так же следует познакомить учащихся с автором, эпохой, содержанием, формой и стилем изучаемого произведения.

Немаловажное значение
в учебной практике имеет репертуар, и педагоги всегда стремились его разнообразить. Цель — повысить интерес учащихся к музицированию в ансамбле, совместному творчеству. Одним из решений этой задачи является привлечение в репертуар ансамбля современных произведений.

Это могут быть песни из кинофильмов, песни, исполняемые современными музыкальными коллективами, при условии, разумеется, что эти произведения имеют известную художественную ценность. Исполнение знакомого и популярного музыкального материала способно вызвать живейший интерес участников ансамбля.

Ансамблевая игра
— это постоянная смена новых восприятий, впечатлений, открытий, интенсивный приток богатой и разнохарактерной музыкальной информации.

• Управление образования Добрянского муниципального района Муниципальное образовательное учреждение дополнительного образования детей
• «Добрянская детская школа искусств»
• Методическая разработка: « Работа над ансамблями как одна из форм развития интереса в обучении музыке детей со средними данными.» Преподаватель первой квалификационной категории
• Рапецкая Лариса Викторовна
• Добрянка 2010 г.
• Работа над ансамблями как одна из форм развития интереса в обучении музыке детей со средними природными данными.
• Особенностью ансамблевого музицирования является воспитание чувства ответственности учащихся за качество освоения собственной партии, достижение исполнителями точности в темпе, ритме, штрихах, динамике, агогике, специфике тембрового звучания, что способствует созданию единства и целостности музыкально-художественного образа исполняемого произведения.
• Цель обучения ансамблевого музицирования:
• Воспитание эстетически развитой личности, приобретение начального музыкального образования, необходимого для практического участия в сфере досуга и культурного обслуживания населения в инструментальных ансамблях различных составов и жанров.
• Основные задачи:
• Ознакомление с широким кругом музыкальной литературы, освоение новых жанров; -развитие способностей согласовывать свои исполнительские намерения с действиями других участников ансамбля; -повышение требований в отношении музыкально-исполнительских навыков, умение соподчинять все средства выразительности ради построения общего художественного целого, выражения общей художественной идеи;
• -воспитывать чувство ответственности за себя и за коллектив.

Проблема музыкального развития детей со средними и слабыми природными музыкальными данными не является новой. Но то, что этим развитием нужно заниматься со всеми детьми, желающими обучаться музыке – несомненно. А.

Гольденвейзер писал: «Почти каждый человек, за исключением глухих от рождения, обладает в той или иной мере музыкальностью и способностью ее развивать. Поэтому, чем шире сеть музыкальных школ и чем распространеннее учение музыке, тем лучше.

Но я думаю, что в построении педагогического процесса в музыкальных школах мы недостаточно различаем понятия – общее музыкальное воспитание и обучение музыкантов.

Музыке нужно учить всех в той или иной форме и степени, а воспитывать профессионалами-музыкантами нужно не только не всех, но лишь очень не многих».

Никто не встречал шести-, семилетнего ребенка, который бы не пришел на первый урок музыки с сияющими глазами, с огромным ожиданием, с безграничной любовью к незнакомому миру звуков и желанием извлечь их своими собственными руками.

Золтан Кодай говорил: «Давайте вложим в руки детям, восприимчивым к музыке, тот ключик, при помощи которого они смогут вступить в волшебный сад музыки, чтобы приумножить смысл всей их жизни». Эти слова могут служить стимулом к кропотливой работе всех преподавателей.

Главная задача преподавателя состоит в том, чтобы иметь наготове неиссякаемый запас увлекательных возможностей, с помощью которых можно научиться играть на любом инструменте. К каждому ребенку нужно найти свой собственный подход.

Нормальный, здоровый ребенок обычно любознателен, пытлив, открыт для внешних впечатлений и воздействий; почти все его интересует, привлекает внимание. Этим «рычагом», созданным самой природой, следует постоянно пользоваться в обучении вообще и на музыкальных занятиях в частности.

Выдумка, творческая фантазия и изобретательность учителя- музыканта нечем не ограничены, кроме, естественно, здравого смысла, практической целесообразности и профессиональных действий педагога.

В любом случае, если ему удастся вызвать интерес учащихся – и не только вызвать, но и поддержать его в течение нужного времени, — необходимые предпосылки для успеха будут созданы. Однообразная, монотонная деятельность приводит детей к быстро наступающему утомлению, и тому состоянию, которое определяется у детей словом «скучно».

«Все жанры хороши, кроме скучного», — говорил некогда Вальтер. Слушание музыки, пение в ансамбле или в хоре, музыкальные викторины, игра в ансамбле – это не полный перечень различных видов музыкальной деятельности. Трудно сказать, какой из них более важен, какой менее. Очевидно, важнее всего то, насколько умело и квалифицированно они применяются.

Одной из таких интересных и увлекательных возможностей является игра в ансамбле. Мы знаем, что ансамбль – это вид совместного музицирования, которым занимались во все времена, при каждом удобном случае и на любом уровне владения инструментом. В этом жанре писали почти все выдающиеся композиторы.

Писали как для домашнего музицирования, так и для интенсивного обучения и концертных выступлений. Одной из важных задач является подбор участников ансамбля, равных по своей музыкальной подготовке и владению инструментом. Надо учитывать межличностные отношения участников ансамбля.

Если коллектив состоит из людей уважающих и ценящих друг друга, то занятия проходят более результативно, дети чаще встречаются, интенсивнее репетируют. Благоприятный морально психологический климат в ансамбле – залог успешной работы. Начинать занятия надо с доступных детям произведений, в игре которых технические трудности преодолеваются сравнительно легко, а все внимание направляется на художественные цели. К сожалению, довольно часто приходиться наблюдать обратную картину, когда ансамблисты, не имея достаточной базы, выносят на зачеты и экзамены слишком сложные для них произведения. Ученик проявляет повышенный интерес к занятиям тогда, когда не чувствует собственной беспомощности, а получает удовольствие от результатов своей работы. Лучше разучить несколько нетрудных пьес и играть их на высоком художественном уровне, чем мусолить одну сложную, так и не добравшись до творческой ее интерпретации. Совместная игра отличается от сольной прежде всего тем, что и общий план и все детали интерпретации являются плодом раздумий и творческой фантазии не одного, а нескольких исполнителей и реализуются их общими усилиями. Под синхронностью ансамблевого звучания понимается совпадение с предельной точностью мельчайших длительностей (звуков или пауз) у всех исполнителей.

Синхронность является результатом важнейших качеств ансамбля – единого понимания и чувствования партнерами темпа и ритмического пульса.

Источник: https://joeblind.ru/igra-v-ansamble-tonkosti-i-nyuansy-muzykalnyi-klass-metod.html

Правила для музыкантов. 68 жизненных правил и практических советов для музыкантов

Правила музыкантов. Общая информация

Знаменитый композитор Роберт Шуман оставил след в истории не только в виде своих произведений. Одним из главных его трудов стал «Свод», который называется Правила для музыкантов. Несколько поколений учителей пытались максимально доходчиво донести до своих учеников некоторые мысли. Но, увы, это не всегда получается. Как оказалось, всё гениальное уже сделано до нас классиками.

Написан труд Жизненные правила для музыкантов был в 1850 году. Прошло уже более 150 лет, но они актуальны до сих пор. Основная задача этих советов – разностороннее развитие студента, максимальный охват всех аспектов музыкальной деятельности. Пособие пригодится как для профессиональных выпускников консерваторий, так и для любителей.

Как правильно пользоваться правилами для музыкантов

Разумеется, правила юных музыкантов мало прочитать. Необходимо выработать привычку регулярно выполнять их. Так как их слишком много, то можно взять одно-два и использовать их в вашей игре. Начинать можно в любом порядке. Какое-то из них понравится больше всего, его и нужно взять за основу. В каждой работе важно постоянство. Как и указано в самих сводах, нужно бороться с произведением до конца. Поэтому нельзя останавливаться на полпути и бросать выполнение пунктов, если у начинающего гитариста появились затруднения.

Так что же за правила для музыкантов оставил потомкам Шуман? Давайте ознакомимся с каждым из них поподробнее.

Список правил для музыкантов

Необходимо развивать слух с самого раннего возраста. Вокруг маленького человека десятки различных звуков – чириканье птиц, шум дождя. Нужно стараться находить разные тембры во всех них.

Для развития навыков играются гаммы и технические упражнения. Однако не следует лишь наигрывать их до посинения, а стоит выполнять другие задания. На одном «игрании» гамм далеко не уедешь.

Так называемая «немая клавиатура» совершенно непригодна для формирования музыкальности.

Гармония – основа основ для любого музыканта. Следует ознакомиться с ней как можно раньше.

Боязнь музыкальных терминов? Не, не слышал. Если видишь незнакомое слово, то стремись ознакомиться с его значением, а не пропускать.

Не следует бездумно стучать по струнам – лучше всего сразу соблюдать задуманные автором акценты и обозначения. А также доигрывать своё произведение до самого конца.

Несоблюдение темпа (и его неверная трактовка) – одна из главных ошибок.

Не недооценивайте лёгкие произведения – они становятся базой для исполнения более трудных. Всегда нужно играть их легко и в характере.

Инструмент должен быть хорошо отстроен. Кстати, это относится и к человеческому голосу!

Нужно запомнить пьесу не только пальцами. Вы должны уметь проигрывать её и в голове. Причём звучит не только мелодическая линия, но и гармоническая основа.

Даже если вы не обладаете достаточно развитым голосом, то  нужно петь, подыгрывая на инструменте. Это разовьёт ваш слух.

Не бойтесь тех, кто вас слушает. Кстати это отличные правила для музыкантов, т.к часто начинающие исполнители сбиваются, ожидая реакции зрителя или члена приёмной комиссии.

Лучше всего представить, что вас слушает истинный мастер, который высоко оценит талант.

Если предстоит сыграть с листа незнакомую пьесу, то всегда посмотрите ее «скелет» глазами. Следует охватить форму, которая будет давать в голове представление обо всех фрагментах.

Если, что называется «наелся», то лучше прекратить занятия на сегодня. Лучше завтра приступить с охотой за разучивание, чем играть через силу с пресным лицом. Но не злоупотребляйте этим правилом!

Некоторые советы музыкантам всё-таки устарели. Или, по крайней мере, стали спорными. Например, не играть модную коммерческую музыку (скажем, исключительно в целях заработка). Лучше уделить время проверенной классике.

Неожиданно, но жизненные правила музыкантов пересекаются и со здоровым образом жизни. Принимайте лёгкую и полезную пищу, потому что пища для души (музыка) имеет много общего с физической подпиткой.

Техника и пассажи из количества переходят в качество. Но только там, где они действительно необходимы.

Стараться исключить музыкальный шлак из своего «рациона».

Не ставь блестящее техничное исполнение поверх авторского замысла. Всё-таки слушатель должен, прежде всего, запомнить мысль произведения.

Не переделывай пьесу под себя. Не выдумывай ненужные украшения и мелизматику, противоречащие автору.

При выборе репертуара лучше советоваться с более опытными коллегами и учителями. Не всегда этот опыт может быть положительным, но чаще – сэкономит время.

Знакомство с произведениями мастеров следует проводить в хронологическом порядке, но пытаться охватить самые важные этапы их творческого пути.

Не стоит проникаться мимолётным успехом бездушных виртуозов — «технарей».

Популярность музыки – вещь приходящая. Поэтому не стоит до седых волос пытаться поймать текущие тренды и быть модным.

Регулярное исполнение на публику добавляет опыт. Но не нужно играть то, чего вы стыдитесь.

Используй возможность игры в ансамбле – дуэт, квартет, аккомпанемент певцу. Когда музыкант играет в тандеме, то он начинает понимать форму, логику, учиться подстраиваться на ходу.

Любовь к своему инструменту – это отлично. Но не стоит забывать и о существовании других.

Когда ты будешь сформирован как музыкант – делай упор на изучение партитур. Любой исполнитель черпает знания с нотного листа.

«ХТК» Баха – прекрасная база для растущего музыканта. Играй его, и будет тебе счастье.

Перенимай опыт у своих товарищей.

Отдых на природе с поэтическим сборником – прекрасный выбор!

Вокалисты могут дать некоторые полезные знания. Но относись к выбору их советов с осторожностью.

Практически все произведения и «фишки» были придуманы до тебя. Поэтому не слишком гордись композиторским даром, а считай его посланием свыше. И конечно – доноси его до слушателя.

Лучшее «лекарство» от формирующегося завышенного самомнения – прослушивание классических произведений признанных мастеров.

Антон Тибо и его Чистота муз. Искусства – твоя будущая настольная книга.

Опять же устаревшие правила для музыкантов, но для полноты картины приведём их. Почитание органной музыки, особенно церковного исполнения. Нужно стараться использовать возможность сыграть на этом инструменте.

Орган – это отличный инструмент для тренировки чистоты звукоизвлечения.

Источник: https://pereborom.ru/pravila-dlya-muzykantov/

Игра в ансамбле как одна из форм музыкального развития обучающихся

• Открытый урок
• «Игра в ансамбле как одна из форм
• музыкального развития обучающихся».
• Преподаватель МБУ ДО «Сосновская ДМШ»

Тихонович О.В.

1. Тема урока: «Игра в ансамбле как одна из форм музыкального развития обучающихся».
2. Тип урока: Урок повторения и закрепления пройденного материала.
3. Цель: Совершенствование исполнительского мастерства обучающихся, через привлечение их к совместному музицированию.
4. Задачи:

1. Стимулирование развития эмоциональности, памяти, мышления, воображения и творческой активности при игре в ансамбле;
2. Формирование у обучающихся комплекса исполнительских навыков, необходимых для ансамблевого музицирования;
3. Развитие чувства ансамбля;
4. Обучение навыкам чтения с листа в ансамбле.

Знания:

-Знать виды ансамблей (смешанный, однородный, дуэт, трио и т.д.);

• -Знать роль ведущей и сопровождающей партии в ансамбле;
• -Знать главные особенности ансамблевого музицирования: синхронность, единство темпа, метро — ритма, штрихов, динамики;
• Умения:
• -Уметь слушать партнера или партнеров по ансамблю и помогать им в воплощении исполнительских намерений;
• -Уметь контролировать и оценивать собственные и коллективные игровые действия;
• Отношения:
• -Формировать навыки общения в коллективе;
• -Повышать мотивацию к обучению через ансамблевое музицирование;
• -Проявлять активный интерес к занятиям;
• Дидактические технологии:
• а) Виды деятельности учащихся:
•    — Исполнение на музыкальных инструментах;
•    — Применение музыкальных знаний и знаний о музыке;
•     -Анализ и характеристика музыкальных произведений.
• б) Методы обучения:
•      — словесный – рассказ, объяснение, беседа;
• — метод показа на инструменте;
• — метод тренировки;

          Ансамбль имеет большое значение для разностороннего музыкального воспитания обучащюихся. Как показала практика, занятия ансамблем нравятся почти всем учащимся без исключения.

1.         Известно, ансамблевая игра значительно расширяет музыкальный кругозор обучащюегося, развивает такие качества, необходимые музыканту, как умение слушать не только собственное исполнение, но и партнера, общее звучание всей музыкальной ткани пьесы; воспитывает умение увлечь своим замыслом товарища, а когда это необходимо подчиниться его воле; активизирует фантазию и творческое начало; заостряет ощущение звукового колорита; повышает чувство долга и ответственности за знание своей партии, ибо совместное исполнительство требует свободного владения текстом, прививает учащимся чувство товарищества.
2.          Особенностью ансамблевого музицирования является воспитание чувства ответственности учащихся за качество освоения собственной партии, достижение исполнителями точности в темпе, ритме, штрихах, динамике, агогике, специфике тембрового звучания, что способствует созданию единства и целостности музыкально-художественного образа исполняемого произведения.
3.           К основным ансамблевым навыкам можно отнести «чувство партнера», умение слышать солиста и помогать ему в воплощении исполнительских намерений, навыки самоконтроля и самооценки собственных и коллективных игровых действий.

         Одинаковые ощущения характера и темпа произведения, соответствие приемов звукоизвлечения – именно эти требования являются важнейшими для совместной игры. Игра в ансамбле требует от учащихся также умения передавать партнеру мелодию, сопровождение, пассаж, не разрывая при этом музыкальной ткани.

Вопрос: Итак, что же обозначает слово ансамбль?

       Ответы:

1. Группа из двух и более музыкантов –  совместно исполняющих музыкальное произведение.
2. Пьеса, предназначенная для исполнения несколькими участниками.

Источник: https://nsportal.ru/kultura/muzykalnoe-iskusstvo/library/2018/09/28/igra-v-ansamble-kak-odna-iz-form-muzykalnogo

“Проблемы ансамблевой игры и методы их практического решения” 2013г

• Россия,Пермский край,г. Верещагино
• МБОУ ДОД «Верещагинская ДМШ»
• Старший преподаватель по классу фортепиано
• Калинина Любовь Валерьевна

“Проблемы ансамблевой игры и методы их практического решения”

                                                                                         2013г

I. Роль ансамблевого музицирования в реализации принципов развивающего музыкального обучения”

1. 1.      Ансамблевое музицирование как метод всестороннего развития учеников.

         Развивающее обучение в последнее время завоевывает место и в фортепианной педагогике.

Появляются новые педагогические труды, но еще сохраняется традиционализм (нет поиска нового, остановка на старых формах и методах работы) в традиционных формах и методах главное – работа над музыкальными достижениями, что поглощает 90% учебного времени и вытесняет более эффективные формы в плане развивающего обучения.

        Среди незаслуженно обиженных – ансамблевое музицирование. Обычно такая форма работы используется, но занимает незначительное место.

В музыкальных справочниках слово «ансамбль» (от французского – ensemble) означает единство, согласованность действий, и относится как к группе исполнителей, так и к составу инструментов. Встречаются и другие трактовки этого понятия, где ансамбль, например, рассматривается как «небольшая группа музыкантов, каждый из которых выполняет самостоятельную партию».

Слово «ансамбль» также используется для характеристики синхронности коллективного музицирования.

Поэтому можно услышать такие словосочетания как «интонационный ансамбль» (по строю инструментов, их интонационному звучанию), «метро-ритмический ансамбль» (степени исполнительской согласованности ритмического рисунка произведения), «динамический ансамбль» (уравновешенность звучания инструментов, его соответствие основным функциональным компонентам фактуры ) и т.п. Это, как видим, касается сугубо исполнительской, технологической стороны процесса ансамблирования.

Ансамбли  состоят не более чем из 10-15 музыкантов. В них, как правило, нет так называемых «дублеров», которые выполняли бы (дублировали) в унисон те или иные партии. Если в оркестре репетиционная работа базируется на принципе единоначалия, то в ансамбле преобладает принцип равноправия.

Однако необходимость согласования исполнительских намерений участников ансамбля, объединение их общим мнением все же существует. В отличие от дирижера, руководитель ансамбля, в основном, выступает и в роли одного из исполнителей ансамблевой партии.

Артистическая и творческая ответственность ансамблиста значительно больше, чем у оркестранта, потому что он открыт перед слушателем и чаще выступает в роли солиста. Несомненно, при этом следует учесть то обстоятельство, что для успешного функционирования любого ансамбля нужна внутренняя готовность его членов (исполнителей) к общему музицированию.

Ведь многие из музыкантов видят себя только индивидуальными исполнителями, солистами и, учитывая это, не способны к активному исполнительскому взаимодействию с партнерами.

Источник: https://worldofteacher.com/1710-446.html

Роль ансамблевой игры в развитии ученика-пианиста. Метод. доклад "Роль ансамблевой игры в реализации принципов развивающего музыкального обучения". Игра в ансамбле: тонкости и нюансы, Музыкальный класс

• Методический доклад
• «Основные направления в работе с ансамблем»
• Трошина Вера Тимофеевна,
• преподаватель Детской школы искусств по классу гитары
• г.Ртищево Саратовской области

Ансамбль – группа исполнителей, выступающих совместно.

Искусство ансамблевого исполнения основывается на умении исполнителя соразмерять свою художественную индивидуальность, свой исполнительский стиль с индивидуальностью исполнения партнера. Ансамбль – это коллективная форма игры, в процессе которой несколько музыкантов исполнительскими средствами сообща раскрывают художественное содержание произведения.

Исполнения в ансамбле предусматривает не только умение играть вместе, здесь важно другое – чувствовать и творить вместе. Работа в коллективе несомненно сопряжена с определенными трудностями: не так легко научиться ощущать себя частью целого.

В тоже время игра в ансамбле воспитывает у исполнителя ряд ценных профессиональных качеств – она дисциплинирует в отношении ритма, дает ощущение нужного темпа, способствует развитию мелодического, полифонического, гармонического слуха, вырабатывает уверенность, помогает добиться стабильности в исполнении.

Более слабые учащиеся начинают подтягиваться до уровня более сильных, от продолжительного общения друг с другом каждый становится лучше как человек, как личность, поскольку воспитываются такие качества, как взаимопонимание, взаимоуважение, чувство коллективизма.

Из сказанного можно сделать вывод – инструменталист, никогда не игравший в ансамбле, многого лишает себя, ибо польза от этого рода занятий очевидна. Одно из важнейших условий успешной работы является способность критически относиться к себе и к своим товарищам. Известно, что слово «самокритика» легче произнести, чем обратить его в действие. Но надо не только практиковать, но и не скупиться на похвалу, уметь подбодрить, вдохновлять. Давно уже замечено, что похвала, даже не вполне заслуженная, стимулирует активность большинства людей. Ребенку необходима вера в себя. Основное правило ансамбля «Один за всех, все за одного», «Успех или неудача одного есть успех или неудача всех».

Ритм как фактор ансамблевого единства

Среди компонентов, объединяющих учащихся в единый ансамбль, метро-ритму принадлежит едва ли не главное место. Действительно, что помогает ансамблистам (а их может быть два и более) играть вместе, чтобы создавалось впечатление, будто играет один человек. Это ощущение метро-ритма.

Он, по существу, выполняет функции дирижера в ансамбле, ощущение каждым участником сильных долей есть тот «скрытый дирижер», «жест» которого способствует объединению ансамблистов, а, значит, и их действий в одно целое.

Ощущение сильных и слабых долей такта, с одной стороны, и ритмическая определенность «внутри такта», с другой, вот тот фундамент, на котором основывается искусство ансамблевой игры. Единство, синхронность его звучания является первым среди других важных условий.

Если при неточности исполнения остальных компонентов снижается только общий художественный результат, то при нарушении метроритма рушится ансамбль. Но не только в этом значение метроритма. Он способен влиять и на техническую сторону исполнения. Ритмическая определенность делает игру более уверенной, более надежной в техническом отношении.

К тому же, ученик, играющий неритмично, больше подвержен всякого рода случайностям, а от случайности, как известно, прямая дорога к потере психологического равновесия, к зарождению волнения.

Динамика как средство выразительности

Играя в ансамбле, необходимо быть экономным в расходовании динамических средств, распоряжаться ими разумно.

Надо исходить из того, что, как бы ансамбль ни был бы богат яркими по тембру инструментами, одним из главных его резервов, придающих звучанию гибкость и утонченность, является динамика. Различные элементы музыкальной фактуры должны звучать на разных динамических уровнях.

Как в живописи, так и в музыке ничего не выйдет, если все будет иметь равную силу. В музыке, как и в живописи, есть передний и задний план. Воспитав такое ощущение динамики, ансамблист безошибочно определит силу звучания свой партии относительно других.

В том случае, когда исполнитель, в партии которого звучит главный голос, сыграл чуть громче или чуть тише, его партнер немедленно среагирует и исполнить свою партию также чуть громче или тише. Важно, чтобы мера этих «чуть-чуть» была бы точной.

Как практически работать над динамикой в ансамбле. Вначале необходимо научиться играть в пределах того или иного динамического оттенка абсолютно ровно. Например, можно предложить сыграть всем участникам одну ноту или гамму на ровном P (пиано), затем на ровном mf, и так следует пройти все динамические ступени.

Безусловно, сила звука – понятие не столь определенное, как высота звука mf на гитаре не равно mf на фортепиано, f на балалайке – не одно и то же, что f на баяне.

Исполнитель должен воспитывать у себя развитый слух (микрослух), дополнив динамику понятием микродинамики, означающим способность регистрировать малейшие отклонения в сторону увеличение или уменьшения силы звука.

Темп как средство выразительности

Еще Римский-Корсаков утверждал, что «музыканту метроном не нужен, он по музыке слышит темп». Не случайно Бах, как правило, в своих сочинениях вовсе не указывал темп. В пределах одного произведения темп может варьироваться. «Нет такого медленного темпа, в котором бы не встречались места, требующие ускорения…и наоборот.

Для определения этого в музыке нет соответствующих терминов, обозначения эти должны быть заложены в душе» (В. Тольба).

Приемы достижения синхронности ансамблевого звучания

Под синхронностью ансамблевого звучания следует понимать точность совпадения во времени сильных и слабых долей каждого такта, предельную точность при исполнении мельчайших длительностей всеми участниками ансамбля.

При рассмотрении проблемы синхронного исполнения нужно выделить три момента: как начать пьесу вместе, как играть вместе и как закончить произведение вместе. В ансамбле должен быть исполнитель, выполняющий функции дирижера, он обязан иногда показывать вступления, снятия, замедления.

Сигнал к вступлению — небольшой кивок головы, состоящий из двух моментов: едва заметного движения вверх (ауфтакт) и затем – четкого, довольно резкого (раз) движения вниз. Последнее служит сигналом к вступлению. Кивок не всегда делается одинаково, все зависит от характера и темпа исполняемого произведения.

Когда произведение начинается из-за такта, то сигнал, по сути, такой же, с той разницей, что если в первом варианте при подъеме головы была пауза, то в данном случае она заполняется звучанием затакта.

На репетиции можно просчитывать пустой такт, могут быть слова: «Внимание, приготовиться, начали», после слова «начали» должна быть естественная пауза (как бы вдох). В достижении синхронности ансамблевого звучания многое зависит от характера музыки. Замечено, что в пьесах активного, волевого плана это качество достигается быстрее, чем в пьесах спокойного созерцательного характера. То же самое можно сказать и относительно «старта».

а) последний аккорд – имеет определенную длительность, — каждый из ансамблистов отсчитывает «про себя» метрические доли и снимает аккорд точно во время.

б) аккорд – над которым стоит фермата, продолжительность которого необходимо обусловить. Все это отрабатывается в процессе репетиции. Ориентиром снятия может также быть и движение – кивок головы.

Если синхронность исполнителя – качество, необходимое в любом ансамбле, то в еще большей степени оно необходимо в такой его разновидности как унисон. Ведь в унисоне партии не дополняют друг друга, а дублируют, правда, иногда в разных октавах, что не меняет сути дела.

Поэтому недостатки ансамбля в нем еще более заметны. Исполнение в унисон требует абсолютного единства – метроритме, динамике, штрихах, фразировке. С этой точки зрения унисон является самой сложной формой ансамбля.

Доказательством абсолютного единства при исполнении в унисон является ощущение, что во время игры вместе с другими учащимися ваша партия не прослушивается как самостоятельная. К сожалению, этой форме ансамблевой игры уделяется мало внимания в учебной практике.

Между тем в унисоне формируются прочные навыки ансамбля, к тому же унисон интересен зрительно и в сценическом отношении.

Когда учащийся впервые получит удовлетворение от совместно выполненной работы, почувствует радость общего порыва, взаимной поддержки – можно считать, что занятия в классе дали принципиально важный результат.

Ценно другое, преодолен рубеж, разделяющий солиста и ансамблиста, ученик почувствовал своеобразие и интерес совместного исполнительства.

Список использованной литературы

1. Н.Ризоль. Очерки о работе в ансамбле. – 1986. – Москва.

2. А.Готлиб. Первые уроки ансамбля.

3. П.Агафонин. Школа игры на шестиструнной гитаре. – Москва. – 1983.

1. Прищепа Наталья Александровна

2. Колледж Луганского государственного
   института культуры и искусств

3. Роль ансамблевой игры
   в младших и средних классах на уроках
   фортепиано

Ансамблевая игра представляет собой форму
деятельности, открывающую самые благоприятные возможности для всестороннего и
широкого ознакомления с музыкальной литературой.

Перед музыкантом проходят
произведения различных художественных стилей, авторов, различные переложения
оперной и симфонической музыки.

Накопление запаса ярких многочисленных слуховых
представлений стимулирует художественное воображение.

Игра в ансамбле способствует интенсивному
развитию всех видов музыкального слуха (звуковысотного, гармонического,
полифонического, тембро-динамического,внутреннего).

Касаясь немного истории фортепианного
ансамбля нужно отметить, что этот жанр начал стремительно развиваться во второй половине ХVIII века с
появлением молоточкового фортепиано и его новыми возможностями: расширенный
диапазон, способность постепенного увеличения и уменьшения звучности,
добавочный резонатор педали.

Значительно возрастала полнота и сила его
звучания, открывались неведомые регистровые краски.К началу Х
I
Х века фортепианный ансамбль утвердился как
полноправная самостоятельная форма музицирования. Возникла богатая и разнообразная
литература.

Для фортепиано в четыре руки писали почти все композиторы Х
I
Х и ХХ столетия .

Существует два вида фортепианного ансамбля — на одном или на двух роялях. Фортепианный
дуэт на двух роялях получил наибольшее распространение в профессиональной
концертной практике.

Возможности
фортепиано, благодаря наличию двух исполнителей и двух инструментов еще более
расширяются.

Игра в четыре руки на одном фортепиано
практикуется главным образом в сфере домашнего музицирования, музыкального
самообразования и учебных занятий.

Близкое соседство пианистов за одной
клавиатурой способствует внутреннему единству и их сопереживанию.

Именно
благодаря ансамблю, учебный и концертный репертуар пополняется яркими,
интересными произведениями, созданными композиторами разных эпох.

Каждому педагогу известна любовь детей к игре
в четыре руки. Учащиеся проявляют большой интерес к этому виду музыцирования,
который является важным компонентом учебного процесса, и приносит им огромное
удовольствие.

Играя в ансамбле, учащийся впервые
сталкивается с такими понятиями, как синхронность, тождественный штрих,
динамическое равновесие. Знакомится с такими понятиями, как ауфтакт и
внутредолевая пульсация.

Владения этими навыками необходимо ансамблисту для
точного совместного начала игры, для
вступления между разделами произведения, а также для достижения синхронности исполнения
в медленных темпах и на паузах.

Дети сразу ощущают радость восприятия хотя и
крупицы, но искусства. То, что ученики играют музыку, которая у них на слуху,
будет побуждать их как можно лучше выполнять свои первые музыкальные
обязанности.

А это и есть начало работы надхудожественным образом, которая должна начинаться одновременно с
первоначальным обучениемигре на
фортепиано» .

Итак,в начале обучения когда ребенок только
учится извлекать на инструменте отдельные звуки, или маленькие попевки, в
партии педагога звучат различные музыкальные отрывки: позывные к музыкальным
передачам по радио, или имитация музыкальной шкатулки, перезвон бубенчиков и
т.д.

Тем самым у ребенка сразуразвивается звуковое воображение: они легко имитируют звуки башенных
часов, призывы кукушки, эффекты эхо и многое другое. Например, Д.Шостакович
«Родина слышит», Э.Захаров «Эхо в горах», «Вечерние сумерки», «Часы на
башне»,А.Александров «Звездочка», В.

Овчинников «Звенят бубенчики» в сборнике
И.Рябова «Шаг за шагом».

Также учащийся может исполнять и несколько
ритмически оформленных звуков, как бы аккомпанируя, поддерживая мелодию,
которая звучит в партии педагога.

Например,аккомпанементы к русским народным
песням «Калинка» и Во поле березка стояла», Е.крылатов « Крылатые качели» в сборнике
Л.А. Баренбойма « Путь к музыке».

За счет насыщенного, богатого мелодическими и
гармоническими красками сопровождения, исполнение становится красочным и живым.

Также материалом для ансамбля могут быть накопленные
сознанием м слухом детей отрывки из мультфильмов или популярных песен. Ведь
мелодия, связанная с текстом, ярче воспринимается и лучше запоминается.
Например, «Песенка Львенка и черепахи» Г.

Гладкова, «Спят усталые игрушки» по А.
Островскому или «Шумелка Вини-Пуха», Р. Борисова, Е. Крылатов «Колыбельная
медведицы».

Сначала ученик может просто спеть мелодию под
аккомпанемент преподавателя. Здесь важен и воспитательный момент: дети
участвуют в творческом процессе вместе с педагогом.

Нужно отметить, что игра в ансамбле на данном
этапе можетспособствовать закреплению нотной
грамматики и полученных навыков артикуляции – легато, стаккато, нон
легато.Например,Д.

Уотт
«Три поросенка»- закрепляется штрих
стаккато, а также знак репризы и знак переноса на октаву вверх. Благодаря
стихотворному тексту, хорошо слышны музыкальные предложения, ударные звуки.

Вансамблях «Деде Мороз»и «Кошечка» В. Витлина – закрепляем штрих
легато.

Если на начальном этапе обучения, ребенок,
играя в ансамбле,вслушивается в
звучание новогодля него гармонического
фона в партии педагога, в выразительно-изобразительные краски сопровождения, то
в последующем этапе обучения, в средних классах, внимание ученика направляется
на слушание элементов полифонии, острой и колористической ритмики, на ладо-
гармонические звучания, характеризующие различные жанровые зарисовки. Например,
М.Глинка « Камаринская», Н. Смирнова «
Болеро», М.Мусоргский « Гопак» из оперы «Сорочинская ярморка», К.Вебер « Марш».

По мере усложнения художественных задач,
расширяются и технические задачи совместной игры. Учащиеся, играя в ансамбле, должны осваивать более сложный ритм, учится
выделять из общего звучания главное, передавать мелодическую линию из одной
партии в другую, правильно педализировать и т.д.

Какие же задачи, умения и навыки включает в
себя ансамблевая игра на уроках фортепиано? Какие способы и методы существуют при работе над слаженностью в
фортепианном дуэте?

Определение «хороший ансамбль» означает
слаженность исполнения и единство творческих устремлений участников в ансамбле.

Источник: https://optistore.ru/rol-ansamblevoi-igry-v-razvitii-uchenika-pianista-metod-doklad-rol/